miércoles, 14 de junio de 2017

Diarios de Final Fantasy #3: Unos pocos parrafos sobre mi Trasero Pateado




Ok, tiempo sin jugar Final Fantasy. Muy ocupado. La verdad es que este juego me patea el trasero constantemente, así que con el objetivo de hacer que el juego fluya mas decidí empezar a ganar más batallas. Mi objetivo es ganar 20.000 piezas de oro para poder comprar muchas armas y hechizos y en el proceso habré subido bastante de nivel. Después de cómo hora y media jugando llegue a… 1.800 piezas de oro. Subí un poco de nivel pero en un punto murió mi sanadora Here y quedó envenenado mi guerrero Eli, que posteriormente murió. Ahí perdí como 500 monedas para recuperarlos. Realmente apesto en este juego. Pero lo bueno es que conseguí una buena zona donde matar monstruos me da mucho dinero así que me mantengo optimista.
Hubo un punto en que coloqué un hechizo sobre mi sanadora Here que la hacía esquivar mejor “¡Genial!” pensé… al minuto siguiente le dieron y recibió 26 puntos de daño (No puedo repetir lo suficiente cuanto apesto en este juego). Aunque frustrante, ese es uno de los momentos de comedia no intencional que hace genial a los videojuegos. Al ser un medio interactivo, los videojuegos tienden a ser impredecibles. Creo que por eso los let’s plays ganan tanto seguidores, porque celebran lo extraño y arbitrario que pueden ser los juegos. No creo que es un mal aspecto, de hecho es parte de lo que hace del medio tan disfrutable. 
Lo último que quisiera decir es que ahora que pienso es algo extraño que esta saga de juego incluya a personajes de artes marciales como clase jugable. Es solo que el resto de las clases siguen un patrón inspirado en fantasía clásica europea y cuentos de hadas y que incluyan maestros de artes marciales que tienen más que ver con la cultura oriental parece un tanto fuera de lugar… ¡Pero aun así genial!




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viernes, 21 de abril de 2017

Adventure Time: Brazos, Espadas y Metáforas (Versión Texto y Video)




Advertencia: SPOILERS para TODA la serie de Adventure Time


¿Alguna vez han encontrado a una persona pretenciosa? Lo que quiero decir específicamente ¿Han encontrado a alguien que dice las cosas más estúpidas, incoherentes y poco informadas que puedes imaginar pero las dice con las palabras y frases más elegantes posibles para que la gente piense que sabe de qué habla? Creo que ya saben a qué me refiero: ese sujeto con el que no puedes debatir nada porque te da un enlace a un artículo sobre la falacia ad hominem o te dice que vivimos en el futuro que se predijo en 1984, pero una parte de ti te dice que detrás de todo el lenguaje “intelectual” que usa no parece haber una persona que realmente sabe lo que dice. Es decir, estoy consciente de que generalizar es malo y no soy quién para llamar a nadie más pretencioso cuando yo mismo lo soy con frecuencia. Es decir dedico este blog para criticar historias cuando no podría ni decirte 10 libros que he leído en mi vida. No he sido la persona más brillante del mundo es lo que trato de decir. Pero incluso alguien que no sabe nada como yo se ve frustrado y quiere gritarle a alguien en internet: “¡Solo porque cites una frase de Nietzche que encontraste en google no significa que eres inteligente!”. Y así como hay personas que usan ciertas herramientas pseudointelectuales sin ningún entendimiento, las series, películas y videojuegos son similares. Siempre encontrarás películas que colocarán algún símbolo religioso o citarán a algún filosofo para fingir que son más inteligentes de lo que en realidad son. No, Batman vs Superman, solo porque tu villano sabe los argumentos más básicos en contra de la religión que un video de 15 minutos de filosofía te puede enseñar y porque coloques a Superman en la posición de cristo crucificado no significa que tu filme no es la cosa más estúpida que le pasó al género de superhéroes desde que el sentido arácnido de PeterParker no percibió una bala que estaba a metros de distancia… ¿De qué estaba hablando? Ah sí… 

En serio, han pasado años y a nadie le importa hasta yo creo que debo superar este filme


Mi punto es que cuando colocas algún tipo de simbolismo o metáfora en tu obra sin realmente poner pensamiento en cómo refleja el mensaje de la misma y cómo se conecta con el resto de tu historia, se nota. No puedes solo colocar símbolos como adornos superficiales, tiene que tener sentido para tu obra. Y el uso de símbolos correctamente, como todo aspecto de escribir y hacer arte, es difícil, requiere esfuerzo pero es muy apremiante cuando se hace bien. Es por eso que hoy quiero hablar de uno de mis usos de metáforas favoritos, en una de las obras de arte moderna más influyentes, de gran popularidad y en mi opinión uno de los mayores logros de la televisión actual: Hora de Aventura
 

Hora de Aventura es una de las series más interesantes que se ha hecho en mi opinión. Es sorprendente ver cómo lo que comenzó como una serie sobre hacer chistes de gases y humor bizarro se convirtió rápidamente en una fascinante épica de fantasía y posteriormente en un drama más personal para sus personajes, con una mitología que hace que Game of thrones parezca sencilla. Con interesantes mensajes sobre la sociedad, psicología y filosofía. Y de la misma manera su evolución en popularidad ha sido interesante, siendo al principio algo que se compartía con amigos para ver algo extraño que ocurría en televisión, luego celebrado como una de las obras más maduras de su tipo. Y actualmente se ha vuelto más divisiva entre los que solían amarla, sin mencionar que ha pasado a otro plano con el auge de series animadas posteriores. Pero esto solo demuestra la influencia que ha tenido el programa, pues muchas de las series que ahora acaparan la atención que solía tener, por lo menos en línea, no pudieron existir sin el camino que dejó Hora de Aventura. Nacida después de una generación de animación con humor mediocre y dónde la fluidez y el dibujo a mano habían perdido popularidad, Hora de aventura cambió todo con su complejo mundo, personajes humanos, detalles en los fondos y ambición estética; creando la que en mi opinión es una de las series con la mejor presentación cinematográfica en televisión. Pero más allá de la charla de influencia, de la presentación o la evolución de la historia, quiero aprovechar el hablar de Hora de Aventura para hablar de su genial uso de metáforas. Porque esta es una de las series con mayor consistencia en el uso de sus símbolos, mensajes e ideas. A medida que ha avanzado, se ha vuelto más sobria, lo cual tiene sentido considerando que es en esencia una serie sobre el crecimiento y maduración personal. Y además de volverse más sobria, los símbolos han tenido un rol más central que la trama, por lo cual algunos sienten que la serie se ha vuelto demasiado pretenciosa o por lo menos densa, dejando de lado lo que atraía de ella en primera lugar. Pero en lo personal no me molesta, porque la consistencia de estas metáforas y el mensaje que conllevan siguen ahí y tienen una excelente ejecución.


Y hoy voy a tomar como ejemplo el brazo de Finn. El brazo de Finn siempre ha sido una curiosidad recurrente durante toda la serie. Hemos visto diferentes versiones de Finn, en realidades, futuros y mundos alternos en los que su brazo está ausente y siempre ha estado esa curiosidad ¿Qué significa? ¿Por qué Finn pierde su brazo en tantos posibles futuros? Bueno, después del episodio Escape de la Ciudadela, obtuvimos parte de la respuesta. Cuando Finn, quién ya ha sufrido pena y abandono, especialmente en su vida amorosa tras su relación con la Princesa Flama, encuentra a su padre, quién lo abandonó en su infancia e intenta aferrarse a él. A pesar de que él obviamente no tiene ninguna estima hacia Finn, trata agarrarse evitando que escape su padre hasta que finalmente su brazo se deprende. Él se aferró no queriendo ser abandonado otra vez, queriendo demostrar, como hemos visto a otros personajes en la serie, que merece ser amado por la persona que es. Y ver a su propio padre, la figura que lo trajo al mundo y que debería comprender el valor de su vida, no apreciándolo y rechazando su persona, hace que parte de esa misma persona se pierda. 


Aquí se entiende el significado de la pérdida del brazo de Finn del que se había dado pistas tantas veces en puntos anteriores de la serie: No solo es la pérdida física, si no una pérdida de una parte de uno, la clase de perdida que nace cuando creemos estar haciendo todo bien y aun así no somos amados. Y este vacío existencial por el que pasa Finn coloca en una nueva perspectiva al hecho de que en las otras realidades también haya perdido su brazo porque eso demuestra que en otros mundos alternativos, esta pérdida igual se hubiese experimentado. Porque es una triste realidad que la tragedia y el pesar no se pueden evitar, no importa la persona que seas o las decisiones que tomes, algunos dolores son tristemente inevitables. Pero aun más interesante es que a todas estas versiones alternativas de Finn técnicamente no les falta el brazo: tienen uno nuevo, demostrando que así como todo el mundo pasa tragedias, todo el mundo también tiene diferente mecanismo para sobreponerse. Así como hay pérdidas, hay ganancias que te ayudan a llenar el vacío. 

En el episodio Finn, el Humano, en una realidad dónde Finn tiene a sus padres, al parecer ellos le ayudaron a construir un brazo. En el episodio Tren calabozo, vemos cómo Finn se obsesiona con lo que es en esencia un videojuego y eso lo ayuda a llenar su vacío, pues su brazo está formado de piezas del calabozo. Y en el episodio Puhoy o Fantasía de Cojines, Finn tiene su esposa e hijos hechos de cojines y su brazo hecho de cojín también, demostrando que el amor que encontró con ellos le ayudó a sobrellevar su tragedia. Ya sea con la familia, los pasatiempos o el amor, todos buscamos llenar algún vacío de diferente manera ¿Y cómo lo hace Finn en la narrativa principal de la serie? Bueno, el viaje que surge de la pérdida del brazo de Finn es muy interesante y está íntimamente conectado con cómo Finn se siente sobre su padre después de su abandono. 



En el episodio La Torre, Finn se obsesiona con construir una torre para llegar al espacio y buscar venganza por lo que su padre le hizo. Aquí crece una especie de brazo fantasma, pero este no está hecho de algún material solido y es solo temporal. Finn trató de llenar su vacío existencial con el deseo de venganza pero este deseo es solo una ilusión, te puede satisfacer en el momento pero realmente no reparará lo que está dañado, necesitas algo que de verdad restaure la parte de ti que se perdió. Así como Finn perdió una parte de él por no sentirse valorado como persona por alguien que más que nadie debía hacerlo, necesitaba llenar su vacío con algo que realmente reafirmara su valor por quién es. 




Esto ocurre finalmente ocurre en el episodio Breezy, cuando Finn no consigue una forma de evitar que la flor que creció en su brazo se marchite, lo cual es una representación de una depresión, del tipo que son tan profundas que en el momento no sabemos si de verdad vamos a salir de ellas. Él intenta buscar algún tipo de conexión para buscar su propia importancia, pero solo la busca besando princesas, solo busca una conexión física cuando en realidad necesita alguien que de verdad aprecie su ser. Ahí entra Breezy o Brisa en español. Ahora, Brisa tiene su propia evolución fascinante en el episodio, pero tampoco puedo detenerme a analizar cada cosa en la serie, así que enfoquémonos en su relación con Finn. Después de darse cuenta de que el contacto físico no significa que quedes lleno emocionalmente, especialmente después de un encuentro con la Princesa Grumosa tan perturbador que hasta fue censurado en Latinoamérica, Finn vuelve a encontrarse con Brisa. Y a pesar de no estar enamorado de ella, el hecho de que ella buscaba hacerlo feliz a un nivel diferente del de las otras chicas en el episodio, le hace recordar quién lo hacía feliz antes de todo el abandono que había sufrido: Recuerda a su primer amor (la Dulce Princesa) en una visión, lo cual hace que vuelva a crecer su brazo, esta vez de verdad. 



Después de que alguien no fue capaz de amarlo, Finn recupera lo que estaba perdido recordando su propia capacidad de amar a los demás. No necesita el aprecio de alguien que no lo quiere cuando él mismo puede querer a alguien que sí le importe. Pero lo realmente fascinante de esto es que la Dulce Princesa, en la visión de Finn, sostiene una espada que posteriormente el episodio ¿Eres tú? Se revela es el propio Finn. 






Es decir, que Finn no llenó su vacío existencial con simple nostalgia por su amor de la infancia: al recordar su capacidad de amar, recordó que esa es la cualidad que lo hace un héroe, un gran amigo, lo hace quién es. Cuando crees que no encuentras amor en el mundo tienes que a veces recordar que el amor está en todas partes porque siempre puedes y debes amarte a ti mismo, así no estarás vacío y solo. El resto del mundo tal vez no vea lo que te hace especial, pero siempre debes recordar que a pesar de todo sí eres especial y tú principalmente no debes olvidar eso. Entonces ése el arco argumental de Finn: pasar de buscar su valor en cómo lo definen otras personas a encontrar el valor en él mismo. 




En cualquier otra serie ése sería el final del cambio del personaje, pero a veces la vida no es tan fácil aun con esos cambios y Hora de Aventura entiende esto muy bien. Es por eso que el viaje interno de Finn aun continua en las siguientes temporadas y lo podemos ver en grandes episodios como The Hall of Egress y Don’t Look. Y esta evolución llega a un conflicto fascinante en el episodio I am sword, donde Finn pierde su espada y termina destruyéndose debido a la acción de una criminal malvada, cayendo Finn en una depresión pues ha sufrido y se ha perdido a sí mismo tanto literal como metafóricamente. Y lo que es fascinante es que a diferencia de otras perdidas en la serie, Finn no perdió su espada por alguna acción irresponsable o por algo que no pensó bien, fue solo por la acción de una criminal cualquiera.  La misma criminal admite que no tiene mayor motivo, solo quiere hacer sufrir a la gente. Y eso presenta un duro mensaje en la serie: vivimos en un mundo dónde tristemente hay mucha maldad y sufrimiento del cual no entenderemos el motivo y por más que creamos estar preparados y haber evolucionado para fortalecernos, incluso a pesar de tener amor y valor en nuestras vidas, a veces simplemente no podemos evitar sufrir en este mundo y esto hace que Finn se sienta perdido. 





Pero Hora de aventura no es una serie pesimista y por eso pronto, en el episodio Music hole, Finn realiza una nueva evolución para volver a salir de la depresión pero esta vez no es un viaje interno, no encuentra lo que busca mirándose a sí mismo sino lo contrario: se encuentra a sí mismo viendo el mundo que lo rodea. Encuentra a un hoyo en el suelo, una porción antigua de la tierra y canta con ella, encuentra belleza en la tierra misma que lo rodea, en la música, el arte que viene de ese mundo maravilloso y en la amistad que crea, que le recuerda las amistades que ya tiene. Y su espada es restaurada, aun rota ya que las heridas del dolor aun no sanan del todo, pero Finn como muchos que han pasado por tristezas encuentra nueva vida al recordar la belleza del mundo y de las personas que quiere en él.


Y este tema sigue en el final de esa temporada y el inicio de la siguiente. En el episodio Reboot, Finn se ve enfrentado a Susan, un personaje que ha sido una amiga muy valiosa e importante durante el resto de la serie. Y cuando se ve obligado a usar violenica contra ella, este hecho causa que su brazo y su espada se separen de él, formando un nuevo ser que eventualmente se nombraría Fern. Cuando vemos los orígenes de este personaje y su actitud en los episodios Two Sword y Do No Harm, descubrimos que nació de una especie de un ente misterioso, que vimos por primera vez cuando la espada de Finn fue atacada. Y también es curioso que Fern se muestre más propenso a usar la acción y la violencia que incluso el mismo Finn. Creo que esto representa que después de los traumas de Finn, él ha sufrido una división entre la parte de él que quiere ayudar a las personas y la parte de él más enfocada en atacar a los malos. Realmente me encanta cómo Finn ha descubierto y se ha interesado más por diferentes formas para ayudar que no involucren la violencia a la que está acostumbrado.


Y todo esto se desarrolla de manera maravillosa en la excelente miniserie The Islands, en la cual Finn descubre sus origines tanto como humano como a nivel familiar, descubriendo que parte de su pasión por ayudar a las personas también la tiene su madre biológica, que es una doctora. De nuevo, Finn se descubre a sí mismo en las relaciones que forma. Y es absolutamente fantástico ver cómo el vacío que dejaba el abandono de un progenitor que debía apreciar su existencia y nunca lo hizo ha evolucionado y abrió pasó a una nueva etapa en la vida de Finn. Una etapa donde al fin hace las paces con sus orígenes, donde sabe que no está solo y donde encuentra aprecio. 

Ahora, estos usos de símbolos como el brazo y la espada de Finn se han construido de manera sutil en numerosos episodios y durante diferentes temporadas en la serie y considerando que hay películas de un par de horas que no entienden cómo mantener consistentes sus metáforas, que esta serie conozca exactamente su rumbo durante tantos años hace que sea más que respetable ante mis ojos. Finn ya puede estar en el museo de personajes principales con las evoluciones más fascinantes de la televisión y esto es porque su viaje es un viaje humano con el que muchos se pueden identificar: es del crecimiento, del paso de la infancia a la adultez, de buscar el amor de otros y encontrarse a uno mismo o encontrarse a uno mismo en otros. Y es porque los creadores se han enfocado en este viaje y se han asegurado que las pequeñas metáforas que usan lo reflejan. Y no me queda más que esperar que depare en los futuros episodios de esta fantástica serie, ahora que tristemente se acerca su conclusión. Sus simbolismos no son comentarios para parecer más inteligente, enriquecen la historia. Todos podemos ver nuestras vidas y encontrar una parte de nosotros que creíamos perdida en esta serie. Así como Finn  puede encontrarse a sí mismo al escuchar a la tierra cantando, en lo que descubre en él mismo, en las amistades que encuentra y en el amor que recibe. 



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domingo, 9 de abril de 2017

The Knick, La Tragedia de la Existencia Humana

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¿Tienes control sobre tu vida? ¿Tienes éxito en las diferentes metas que te has planteado a ti mismo? Supongamos que no lo tienes, pero aun sigues intentando. Si logras tener ese éxito ¿Importaría? Si consiguieses dejar un legado ¿Estás seguro de que sería preservado? ¿Seguro de que sería positivo? ¿Y eso tiene algún valor? No vas a estar vivo para verlo ¿Tienes control sobre tu muerte? Estas son ideas que circulan en mi mente después de haber terminado las dos temporadas de la serie The Knick. Es porque estas son preguntas que marcan la vida de los personajes de esta serie.


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Tomemos por ejemplo al Doctor Thackery, el personaje principal de la serie: la serie toma lugar en el principio del siglo 20, años 1900s para ser específicos. El Doctor Thackery es un hombre blanco de alta sociedad en Estados Unidos, un drogadicto y uno de los cirujanos más respetados en una era dónde la medicina empieza a dejar de ser un concepto experimental que solo era aceptable como último recurso para personas ya condenadas y comenzaba a ser una ciencia capaz de salvar vidas. En los primeros momentos de la serie, el Dr. Thackery junto a su colega el Dr. Christianssen realiza una cirugía experimental para tratar de salvar a una madre embarazada y su hijo pues la madre presenta un cuadro de placenta previa. A pesar de que el procedimiento ha sido repasado teóricamente e intentado de forma practica en varias ocasiones, una vez más resulta un fracaso, ni la madre ni el hijo se salvan.  El Dr. Christianssen queda devastado por este fracaso pero el Dr. Thackery le afirma que no fue su culpa, que él hizo el procedimiento perfectamente pero que simplemente aun no tienen el conocimiento para salvar a alguien en esas circunstancias. Pero esa afirmación es por sí misma una forma de tragedia ¿Verdad? La tragedia de hombres atrapados en una época en la cual saben que existe la posibilidad de mejorar el futuro pero que ellos no podrán verlo. Posteriormente el Dr. Thackery hace un emotivo e increíblemente inspirador discurso sobre la rapidez del avance científico y cómo la medicina ha abierto puertas para resolver problemas que se creían inevitables y que lo seguirá haciendo, incluyendo la muerte. Esta declaración es inspiradora y verdadera y a la vez muestra un aspecto aun más trágico de la serie: ahora esta no es solo la tragedia personal de unos hombres, es la tragedia de toda la existencia humana. El terrible hecho de que por más que queramos combatir nuestro fin y trascender mas allá de la mortalidad y de que por más que hagamos todo lo posible para cumplir este objetivo, todo será en vano en cierta forma. No hay mejor reflejo de esto que el discurso sea dicho por un doctor adicto al opio y la cocaína, un hombre que busca sobrepasar las limitaciones de su propio cuerpo y por tanto su existencia pero que está atado a sus propias necesidades y costumbres orgánicas.


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Recuerdo haber leído una vez que el creador de Mad Men se refirió a esa serie como “Ciencia Ficción al revés” porque así como la Ciencia Ficción usa tecnología y actitudes de personas del “futuro” para hacer un comentario sobre la sociedad en el presente, Mad Men usaba hechos y actitudes del pasado como reflejo de problemas en el presente. Creo que The Knick cae en la misma categoría por cómo muestra a estos doctores buscando hacer el mejor trabajo posible para llegar a un futuro (el cual sabemos que nunca verán) para mostrar que no estamos tan lejos de ese mismo estado melancólico nosotros mismos. Incluso la atmósfera refleja esta idea, solo escuchar la increíblemente única banda sonora evoca emociones asociada mas con Ciencia Ficción clásica que con dramas de televisión.




Y este tema no solo se ve reflejado en las teorías científicas: la tecnología también juega un rol importante llegando a puntos tristes e incluso perturbadores cuando sabemos que ciertos tratamientos médicos de la época serán no solo poco efectivos sino que empeoran la enfermedad que buscan tratar o cómo los personajes se exponen a rayos X sin protección pues no saben lo que nosotros sabemos de los efectos de la radiación. Incluso en problemas sociológicos e interpersonales se muestra este tema: personajes que desarrollan nuevas teorías sin saber que serán vistas no solo como erróneas sino como inhumanas en el futuro; personajes que comienzan relaciones de pareja que están condenadas a un tipo de aislamiento por el secreto que uno de ellos guarda o por la dinámica anticuada de relación entre hombres y mujeres en la que viven; personajes que buscan poder y dinero sin siquiera darse cuenta que siempre hay alguien o algo más poderoso, ya sea un sindicato criminal o la cruel ironía del universo; personajes que buscan superar discriminaciones como el racismo y el sexismo cuando como audiencia sabemos que esos problemas  siguen en Estados Unidos y el mundo aun hoy. Por supuesto, no todo es tan sombrío, si lo fuese la obra sería deshonesta, hay momentos de humor y genuino sentimentalismo. Pero estos pequeños momentos parecen más bien los pequeños vestigios de brillo en una tragedia general, en ese sentido me recuerda a The Wire. Y las series con las que estoy comparando The Knick ya dan una idea de que esta se trata de una obra sobria que lentamente explota en grandes momentos, así que si eres fanático del tipo de dramas que he citado, ya sabes qué esperar. Tanto los personajes con bondad en su corazón como los increíblemente malvados que odiarás como pocos en la televisión están atrapados en las limitaciones de sus propios conocimientos, de su tiempo, de su mentalidad, de los sistemas en que viven e incluso de sus propios cuerpos. Es por esto que la serie tenía que tomar lugar en un hospital, para que la mortalidad y el sufrimiento que vienen con el cuerpo humano cuando nacemos siempre estén presentes.


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Realmente es evidencia de lo efectiva que es la serie el hecho de que haya pasado tanto tiempo hablando del mensaje y la temática de fondo y no mucho hablando sobre los aspectos técnicos o narrativos que la hacen funcionar. Y podría hablar de manera extensa sobre las decenas de formas en que esta serie tiene éxito: la brillante dirección visual de Steven Soderbergh desde la ya mencionada banda sonora hipnótica hasta su único estilo visual que evita tomas tradicionales prefiriendo planos alejados en tiempos alargados pero siempre con movimientos sutiles de los personajes que dirigen la mirada y mantienen la atención; podría hablar de los grandes efectos prácticos que retratan las cirugías en la serie con gran detalle y realismo mientras al mismo tiempo sirve el propósito de perturbar a la audiencia; podría hablar del gran retrato del racismo en la serie y cómo los personajes lo justifican mas con una especie de falsa lógica que por razones simples de discriminación o religión, mostrando que los que buscan separar a ciertas razas y a los inmigrantes con "argumentos razonables" no son diferentes a los racistas de tiempos antiguos. También están las docenas de momentos icónicos tanto sutiles como épicos tal como el escape del hospital después de un hecho violento o cuando un personaje llevado por una mezcla de ego e irresponsabilidad realiza un proceso arriesgado convencido de que salvará una vida. Cabe mencionar la forma en cómo la serie está arraigada en sus personajes, hasta los más pequeños que parecen arquetipos de su época tienen aspectos o caracterizaciones dignas de discusión y todos con actuaciones que demuestran la excelencia tanto de la dirección como del reparto, ya sea con la sutil mirada de una mujer que está aprendiendo a seducir y controlar a hombres poderosos en una escena o cómo una actor logra que  entendamos la pérdida de un hombre que ve toda su vida siendo destrozada y al mismo tiempo retrata la creación de un ser que usa el odio hacia grupos marginalizado para canalizar sus propias frustraciones. Y por supuesto en medio de todos ellos está Clive Owen como el Dr. Thackery, uno de los personajes más complejos de cualquier drama de este tipo que retrata todas esas emociones con gran pasión. Y sé que los premios no importan en realidad en el gran orden de las cosas, así que no suelo decir cosas así pero aquí toca hacerlo: Es un crimen que Owen no haya recibido un Emmy por esta actuación.


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Todos esos puntos vale la pena mencionarlos, pero al final de cuentas lo que se queda conmigo de The Knick es la naturaleza trágica que refleja sobre la existencia humana, la manera en que estamos atrapados por fuerzas más allá de nuestro control. Porque no somos más que un montón de células que están envejeciendo y eventualmente morirán. Y aun si fuese cierto que pudiésemos alcanzar la inmortalidad, estamos en un planeta, un sistema solar e incluso un universo que eventualmente colapsarán dejando atrás cualquier rastro físico o recuerdo de que alguna vez existimos en este mundo, haciendo que todo lo que hagamos tengo el mínimo de significado. De esa melancólica existencia los seres humanos no podemos escapar, ni tampoco los personajes de esta serie, por más que lo intenten. Porque al final de cuentas, como nos enseñó la obra maestra SwissArmy Man, no podemos escapar de la verdad de que somos solo un montón de cuerpos descomponiéndose que por milagro caminan y que eventualmente volverán a ser parte de la tierra. Entonces, con todo eso planteado, vuelvo a mi pregunta inicial... 

¿Tienes control sobre tu vida?

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