domingo, 1 de mayo de 2016

"World of Tomorrow", la nostalgia por el pasado al llegar al futuro...




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 El estilo de Don Hertzfeldt es único, mientras otros buscan atrapar la audiencia con una trama lineal, Hertzfeldt no está interesado en crear una sola historia, sino que piensa en un grupo de escenas, de ideas y juega con ellas poniéndolas juntas para crear una reacción emocional, no como un escritor sino más bien como un niño divirtiéndose con sus juguetes y no queriendo dejar a ninguno fuera del juego. Pero el problema de este acercamiento para crear una obra de arte, es que la misma puede parecer más un conjunto de partes que un todo. 

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Por suerte, Hertzfeldt es un genio en crear una narrativa que una todas sus escenas y las lleve a un punto. Ya sea la idea de un animador que no consigue trabajo en publicidad para unir todas sus ideas bizarras y surreales en Rejected o la historia de un hombre luchando contra una enfermedad mental como motivo para mostrar las obsesiones y absurdos del día a día en la saga que conforma el mediometraje It's such a Beautiful Day

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Y una vez más el artista demuestra su talento, con World of Tomorrow, entrando al mundo de la ciencia ficción, lo cual da una excusa para crear pequeñas viñetas a veces graciosas y a veces trágicas sobre la condición humana y su desaparición a medida que avance la tecnología. Encima de todas estas brillantes ideas, cada una totalmente original, está el apartado visual, dónde Hertzfeldt experimenta mas con la animación por computadora pero sin dejar su estilo visual atrapante y minimalista, con gran uso de la oscuridad para mostrar la inmensidad del universo acompañado de música de orquesta que te coloca en el estado hipnótico para el cual nació el cine. 

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Pero ¿Cual es la narrativa que usa el director esta vez para unirlo todo? La de una mujer viajando al pasado para encontrarse a sí misma, a su infancia. Una brillante metáfora que encuentra un profundo drama humano, tanto universal debido a cómo la humanidad pierde su empatía a medida que se aísla cada vez más en la tecnología, así como personal ya que todos en cierta forma somos como los personajes del futuro: volviéndonos mas cínicos en nuestra adultez, buscando ese tesoro perdido en nuestra infancia que llamamos nostalgia.
Brillante, poética, absurda y graciosa, me tomó varias veces entenderla del todo, pero es que filmes como estos, aunque sea un corto, te enriquecen cada vez que los experimentas. Solo espero que ningún ser del futuro me robe el recuerdo de este corto de mi memoria.
 

"Bridge of Spies", a falta de Capra, tenemos a Spielberg...




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 Film Crit Hulk, uno de los mejores críticos de cine en línea actualmente (Es en serio, un sujeto que oculta su identidad tras una imagen del Increíble Hulk es uno de los mejores críticos que he leído, si sabes inglés, tienes que leerlo... YA) dijo en su cuenta de twitter que entre Lincoln y Bridge of Spies, Steven Spielberg parece estar en la etapa Frank Capra de su carrera.  Me frustra mi falta de talento al redactar cuando veo a alguien que pone en tan pocas palabras un resumen tan simple y tan perfecto de porque este filme funciona. 
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Porque este filme realmente evoca ese sentido de justicia y de la lucha del bien contra el mal, aun (y tal vez especialmente) cuando el mal es mucho más grande y monstruoso que el bien, representado por unas pocas personas buenas en el mundo confuso en que vivimos, algo que Capra hacía de manera excelente en obra como Mr. Deeds goes to town o It's a wonderful life
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Este tema siempre ha fascinado a  Spielberg, el del hombre pequeño representando el bien luchando contra un mal mucho mayor, ya sea un tiburón, o una institución buscando secuestrar a un alienígena o la máxima expresión de la maldad humana representada por el nazismo durante la Segunda Guerra Mundial. Y ahora con esta gran obra de un hombre tratando de hacer lo correcto en medio de la moralmente confusa época de la guerra fría, lo vuelve a hacer; y cabe destacar que soy un obsesivo con la historia, así que ver referencias a eventos y lugares de la guerra fría realmente activa mi parte fanática que me hace prestar atención. 

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El guión de Matt Charman, aunque confunde a veces con la información, guía toda la historia con gran peso emocional acompañado de grandes diálogos aportados por los hermanos Coen (Que hay que recordar no solo son genios de jugar con las expectativas, sino que son capaces de contribuir de manera magistral en una historia más lineal como esta) que nos deja admirando el compromiso moral del personaje protagonista, haciéndolo una historia perfecta para Spielberg que una vez más, no evita el sentimentalismo fingiendo como muchos artistas con menos experiencia algún tipo de intelectualismo que creen ganar por falta de emoción. No, aquí los escenarios son extravagantes, la iluminación y ángulos de cámara claros y eficaces y la música tan emocional como nos tiene acostumbrados, con excelentes actuaciones encima de todo. 

Hay quienes creen que este director debería aprender a ser más sutil, yo creo que mas artistas deberían aprender cómo el lleva las emociones tan lejos y aun así crea un filme efectivo, es como ver un cantante llegando a su nota más alta sin desafinar y yo por mi parte, aplaudo al maestro. 

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sábado, 23 de abril de 2016

"Tangerine", pequeña gran película con una pequeña gran historia...



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 Como ya he mencionado, hay filmes que deben ser estudiados por cómo llevan los recursos cinematográficos al máximo, pero Tangerine debe ser estudiada por lo que logra con lo mínimo ¿Actores no profesionales? ¿Filmado en locaciones en lugar de escenas montadas? ¿Grabado con un IPhone? Pues sí, en cualquier otra ocasión esto pudo haber sido un noble pero fracasado esfuerzo o aun peor, una obra llena de pretensión. Pero gracias al gran uso de edición, acompañamiento musical y efectos de coloración, el filme crea una aura hipnótica. Es un impresionante trabajo que inspirará (O espero que inspire) nuevas visiones a futuro para artistas independientes. 

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Curiosamente el uso de colores fluorescentes, la voz superpuesta y la música moderna en montajes, me recordó a Harmony Korine y en particular su obra Spring Breakers. Y esto es aun más interesante ya que tengo entendido que los realizadores de Tangerine dijeron que tomaron inspiración del movimiento Dogma 95 en el que participo Korine, mostrando una vez más el nivel estudio  y habilidad que requirió hacer un filme de este estilo. 

Pero a diferencia de Korine este filme se aleja de la explotación, dejando de lado la impresionante presentación, esta es una historia profundamente humana. El filme parece un grupo de viñetas que involucran cada vez más personajes, y no son del todo agradables: son en su mayoría inmorales, egoístas e incluso violentos y criminales. Pero así debía ser la historia, pues este filme es sobre los grupos más marginados de la sociedad que contrastan con el famoso y rico centro de entretenimiento en el que viven. 

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Pero en medio de esa demente y hasta trágica vida, el filme nos recuerda que la diferencia entre los afortunados y los desafortunados en ese mundo se encuentran en las relaciones especiales que tienen con otras personas, el apoyo que se recibe de las personas que quieren vernos cumplir nuestros sueños. Sí, el filme tal vez se desvía en algunas partes y no llega al grano rápidamente en ciertos puntos de la trama (En especial a la historia del taxista me costó agarrarle interés) pero sigue siendo un admirable experimento técnico, con gran importancia y que celebra verdades como el valor de redención que concede la amistad que aunque a veces desechemos como sentimentalismo, es parte de nuestra humanidad. 

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lunes, 18 de abril de 2016

"Mad Max: Fury Road", el arte de la acción



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 Ok, admito que no soy el mejor cinéfilo del mundo, no he visto otras películas de la saga Mad Max, así que no tenía la misma urgencia o conexión emocional que otros para ver este filme. Tampoco pude ver el filme en la gran pantalla por falta de tiempo, lo cual se que está mal porque sé que eso mejora mucho la experiencia. Pero con todo eso aclarado, debo decir que habiendo visto Mad Max: Fury Road, puedo decir que es un gran logro del cine con un gran mensaje sobre la humanidad transmitido con experticia por unas fuertes actuaciones y presentación visual inigualable y además... ¡Hay un tipo con una guitarra que lanza fuego! ¿Qué no hay para gustar? Ok, poniéndome un poco más serio y fingiendo que sé de lo que hablo, yo amo el cine de acción, algunos dicen que es un genero no muy intelectual y quizás tengan razón pero aun así, si en el arte hay lugar para filmes que se comunican solamente con tomas de cámara y música que crean una emoción sin narrativa, como expresión pura del lenguaje (2001: Odisea del Espacio, The Tree of Life); entonces creo que hay lugar para un filme que solo trata de crear emoción con escenas de acción, aun cuando no tenga mucho contenido de fondo (Por eso es que tengo un gran respeto por las ultimas peliculas de la saga Rapido y Furioso... no es broma). 

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No creo que exagero cuando digo que esto es mas poetico que Birdman

Y  así como The Tree of Life fue un gran experimento en buscar diferentes tecnicas cinematográficas y llevarlas a su mayor potencial técnico, Mad Max: Fury Road hace exactamente lo mismo con escenas de acción, que mezcla lo mejor de animación computarizada con lo mejor de acrobacias reales que se ven cada vez menos en el género, pero todo siguiendo una secuencia clara, con una cámara que permite ver todo el espectáculo visual y apreciarlo, y una edición que aunque hace varios cortes, nunca se siente como algo como Transformers, dónde la única sensación que atrapa es la confusión de no saber lo que ocurre.
 En este filme, las motivaciones están claras y la secuencia de eventos es mostrada de manera puramente visual y con la mayor adrenalina posible, los que decían  que el filme no tenía una historia de verdad realmente deben considerar lo que cuesta como escritor crear un escenas así (Mucha gente piensa que las escenas de acción no tienen que ser escritas primero, un grave error). 

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Y hablando de la manera en que este filme deja claro las motivaciones y la causa y efectos de las escenas, cabe destacar que detrás de este lenguaje hay un gran mensaje. Se ha hablado mucho sobre si el filme tiene un gran componente feminista (Algo que no tiene nada de malo si leen lo que escribí sobre Ex Machina) pero creo que aunque ese tema forma parte del mensaje, el filme en sí se trata mas generalmente sobre no ser un objeto: ya seas explotado como un recurso como Max, o forzado a ser una especie de soldado como Furiosa o un objeto de placer como las mujeres que tenían como esclavas sexuales, el filme reafirma la importancia de que como humanos debemos ser libres. Y en medio de la acción, de la diversión, del viaje, cada personaje se vuelve más humano al final. Este probablemente será un filme muy estudiado en el futuro si las críticas que reciben indican algo, y yo no podría estar más feliz. Solo porque es un filme de acción no significa que Mad Max: Fury Road no pueda ser una de esas grandes experiencias visuales y sonoras que deben ser estudiadas.  
 
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jueves, 14 de abril de 2016

"Ex Machina", nuestro frío futuro...



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 Ex Machina es una clase en cómo crear una atmosfera cinematográfica que se mantiene constante durante toda la película; un filme dónde la cámara se encuentra alejada haciendo que los personajes y sus emociones parezcan pequeños comparados con los grandes cuartos sin ventanas y los fríos pasillos, creando un ambiente minimalista que de verdad te hace sentir aislado de la civilización. 

Esta sensación de aislamiento que perturba me recordó, siendo honesto,  a Stanley Kubrick, pero a diferencia de ese estilo, este filme se enfoca más en el realismo, los personajes se sienten como seres reales, no arquetipos. Lo cual hace la aparición de personajes típicos del cine de ciencia ficción como el científico loco, su creación incomprendida y el asistente asustado aun más interesante cuando se mezcla con el terrible aislamiento, porque así la película crea una nueva capa de miedo e incomodidad: Este es el futuro. Este aislamiento y falta de humanidad es lo que nos espera a medida que la tecnología avance. 

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Mención especial merecen las grandes actuaciones que logran enviar este mensaje, sobretodo la demente pero carismática actuación de Oscar Isaac y la manera en que Alicia Vikander nos hace preguntarnos constantemente que piensa su personaje. De la misma manera, los efectos visuales que también tienen la labor de parecer realista, se vuelven una parte más de la actuación y son maravillosamente ejecutados. 

Pero más allá de este miedo al futuro, lo que realmente me vendió este filme, es su temática feminista reflejado especialmente en el personaje de AVA: una "mujer" creada por un hombre, representando una sociedad patriarcal cuyo destino es ser un objeto para ser usado o un objeto para ser puesto en un pedestal, pero que encerrada allí nunca será "humana", nunca será "una mujer de verdad", simplemente nunca "será". Pero por supuesto, AVA no es la protagonista, el protagonista es un hombre para que la audiencia masculina se refleje en él y en cierta manera entre al mundo de AVA y sea introducido a la dicotomía entre persona y objeto que la atormenta, a medida que el mismo protagonista la descubre. Una obra que hace todo lo que debe hacer la ciencia ficción: crea su propio mundo y atmosfera, presenta una visión del futuro y lo usa como alegoría para discutir sobre la condición humana. Tal vez a veces muy estéril y fría para su propio bien pero aun así brillante. 
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